DJ Gigolaの新曲『Unfolding Practice II』のLiveセットをダウンロード
リズムが私たちの健康形成に果たす役割を考えたことがあるだろうか？ リズムは、私たちの好きな曲のビートを超えて、心拍の安定したリズムから呼吸のリズミカルな流れまで、私たちの存在のあらゆる側面に浸透している。
DJ Gigolaの初ソロアルバム『 Fluid Meditations』 は、こうした身体に内在するリズムから深いインスピレーションを得ている。 医学の学問的背景に根ざした彼女の作品は、音楽、瞑想、スピリチュアリティの癒しの可能性へと私たちを導きながら、 同調しなくなっていく世界を反映している。
ベルリンで育った10代の頃、ジゴラ（オフステージではパウリーナ・シュルツとして知られる）はDJへの情熱を見出した。 2016年に国際的な集団であるLive From Earthに参加した彼女は、志を同じくするアーティストたちのネットワークに出会い、その揺るぎないサポートによって世界中を飛び回る音楽キャリアへの道を歩むことになった。 ケブ・ココとペラ・インムンダとのコラボレーションEP『 No Es Amor』を含む一連のEPで成功を収めた後、ソロ・アーティストとして『 In The Mood』や『 Gigi Groove』といった注目すべきトラックを制作し、その技巧を丹念に磨いている。
XLR8Rとの提携により、私たちはシュルツに彼女の作品を支えるコンセプトと技術的アプローチについてインタビューした。 彼女の創作過程を直接見るために、彼女のトラック『Unfolding Practice II』のLiveセットも公開された。
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*Live 11 Suiteのライセンスまたは無料トライアルが必要です。
注意：本Liveセットと付属のサンプルは教育目的のみで、商業目的での使用はできません。
パウリナ、今日はありがとう。 まず最初に、DJとしての経験が音楽制作の道へ進むきっかけになったことについて教えてください。
ミックスした曲を移行していくとき、私のDJプレイは常に音楽制作のような側面がありました。でも、当然ながら、作ったものを持ち帰ってリリースするわけにはいきません。また、私の選曲はジャンルが流動的なので、対照的なジャンルをエレガントにつなげられる曲をいつも探していました。でも、見つからないことが多かった。だから、自分のセットに必要な曲の不足と、ミキシング時に経験したインスピレーションが、最初に音楽制作を探求しようと思わせたんです。
では、どのようにして音楽制作を始めたのですか？
Kev Kokoに出会ったんです。彼は経験豊富なプロデューサーで、かつてテクノバンドFJAAKに在籍していました。 私はプロダクションを探したいと思っていて、いろいろなアイデアがあることを彼に話したんです。すると彼は、 「僕のスタジオに来て、セッションをしようじゃないか」と誘ってくれました。 それが基本的な始まりでしたね。 彼は私に基礎を教え、歌詞を書くように勧めてくれました。 彼はボーカル・ミキシングについて私が知るべきことをすべて教えてくれたんです。Ableton Liveやプラグイン、メロディーの書き方など、そういうものをすべて。 3枚のコラボEPと1枚のリミックスを一緒に作った後、2022年にリリースした初のソロ・プロジェクト 『In the Mood』に十分な手応えを感じました。さらに2023年には『Fluid Meditations』もそれに続いてリリースされました。
ソロ曲をリリースするために、どのような準備をしましたか？
自分で音楽をリリースする前に、自分が何をしようとしているのかを知る必要がありました。対象が何であれ、私は何かを世に出す前に、長い間練習したほうがいいと思います。そうすれば、自分のやっていることに誇りを持てるからです。私個人としては、能力があることで自信がつきます。
あなたは、比較的早くその能力を身につけた。 事前に音楽的なトレーニングは受けていたのですか？
はい、ピアノを習っていたので鍵盤やメロディーのことはすでに知っていたんです。 でも、まだまだ勉強中だと感じています。私は今でも自分の作品をプロにミキシングとマスタリングしてもらっていますが、これは確実にサウンド体験が最高のものになることを保証するためです。私は元々ダンサーだったので、リズムは自然に身につきます。医学では、音の合成、周波数、デシベルについて少し学びましたが、それよりも音が脳でどのように処理されるかという神経学的な側面から学びました。
医学の分野で学問を修め、その後プロのDJへと転身したことは、キャリアの軌道を大きく変えたように感じたのではないですか。
DJという仕事も医者という仕事も、どちらも人間の体に関わる仕事なので、私がやりたかったことを仕事として捉えているのだと思います。 どちらも人々を良い気分にさせることが目的ですよね。 特に、傷つきやすい状態にある人々を良い気分にさせることを目的としています。 例えば、医療であれば、怪我や病気の可能性のある人々の弱さについてですが、DJの場合、踊りながらトランス状態になる人たちのことを指します。 これは非常に脆い状態でもあり、注意しなければならない。 私はどちらの仕事でも、この脆さとつながり、人々がある状態において自分自身を高めていくのを助けることができるのが好きなんです。 DJとしてダンスフロアで癒しの旅を始めることができる。少なくとも、日常生活のストレスから逃れている人々に楽しい時間を提供することによって。
医学の知識が音楽へのアプローチに独自の影響を与えたと思いますか？
私は医師だからという理由ではなく、アーティストとして尊敬されることを望んでいたため、DJ と医師の経歴を常に厳密に区別していました。 「あなたはとてもクールだ、あなたは医者兼DJだ」と思って私をブッキングしてほしくないのです。これは核心ではありません。私は医療が大好きなので医療を行っていましたし、今でもそうしています。この2つを混同しないようにかなり意識していました。しかし、人々が私に「あなたはどうしてあれだけでなく、あれにもなれるのですか？」と尋ねるとき、この側面に興味があることは明らかです。そこで、Fluid Meditationsでは、アーティストとしての自分の視点を表現することにしました。しかし、この一連の仕事は私の医学的背景にも影響を受けていることも認めなければなりません。両方を融合することを恐れなかったのはこれが初めてだったと思います。
あなたの音楽キャリアの中で、この道に全面的にコミットせざるを得なくなった具体的なきっかけを挙げることはできますか？
もし私一人だったら、「ああ、私はDJになるんだ」とは決して言わなかっただろうし、副業としてDJをやっていただけでした。でも、2016年に『Live from Earth 』の人たちと出会って、もっと頑張ろうと励ましてくれるコミュニティに出会えたんです。彼らは私にパーティーでプレイするためのプラットフォームを与えてくれた。コレクティブとの出会いは、私の音楽キャリアにとって最大のきっかけであり、7年経った今でもなお最大のきっかけです。私たちは共に成長してきました。みんなが助け合っている。私たちが作り上げたコミュニティと、私たちの仕事が大好きです。Live from EarthなくしてDJ Gigolaはなかったと思います。
では、今回ご紹介いただいたLive Setを見てみましょう。この曲のタイトル 『Unfolding Practice II』にはどのようなストーリーがあるのですか？
私たちの肉体的・精神的状態を開放し、宇宙のすべてを結びつけ、統一している霊的な源である「大いなる源」につながるという考えを具現化したもので、「Unfolding Practice II」と呼んでいます。私にとっては、哲学的な修行、仏教的な修行、瞑想への言及でした。スピリチュアリティとは、自分自身として認識しているものの境界線を開き、自分自身とつながっているものを取り込む過渡的な状態なのです。
音楽と瞑想の間に交差点を感じますか？
私は瞑想のトピックや分野を使って、私が感じている世界がどんどん速くなっていると感じていることについてコメントしました。瞬間とのつながりが失われる世界。私はヨガを練習していますが、そこでは呼吸がすべてを同期させます。それがリズムを決めるのです。これにアーサナが続きます。アーサナは、集団的な動きで行われる体の動きです。それはクラブにいる私にとっても同じです。音楽はみんなのリズムを作ります。誰もが同じリズムを経験し、集団的な経験の中でそれに合わせて動きます。瞑想している自分に気づくことは、ダンスフロアで体験できることと似ています。これで遊ぶのが大好きです。ここに私は音楽と瞑想の類似点を見出します。
アルバム『Unfolding Practice II』と 『Fluid Meditations』の間に、何か文脈上のつながりはありますか？
はい、アルバムにはこのトラックのアンビエントバージョンが収録されています。私はこのアルバムを初めて Berghainでライブショーとして発表しました。足を骨折した当時、私は怪我のせいで弱っていると感じていたので、このバージョンよりもアンビエントバージョンの方が私に訴えかけてくれました。 「Unfolding Practice II」は、実際にはオリジナルバージョンになる予定でした。怪我から1年が経った今、私はこの曲をアルバムのアナログ盤リリースの追加トラックとして収録しました。それは私の癒しの旅の一周の瞬間のようなものです。
イントロで聞こえる呼吸は何を象徴しているのですか？
研究によると、すべての文化が短調または長調の音階の曲を肯定的または否定的、または悲しいまたはエネルギー的なものとして認識するわけではありません。ただし、リズムとテンポの認識は、異なる文化の人々の間でより普遍的です。だから、もっとリズムを重視したいと思ったんです。呼吸はリズムを体現したものだと思います。それは私たちが持つ最も明白なリズムのようなものです。体全体がリズムに合わせて動くので、とても気に入っています。心臓は特定のリズムで鼓動し、ホルモンと呼吸も特定のリズムで変化します。呼吸のリズムを通して体の働きに影響を与えることができます。
体のリズムは心臓の鼓動から始まる、という一般的な思い込みがありますが、心臓が呼吸のリズムに従うということですか？
ほとんどの場合、私たちは心臓をビートメーカーとして認識します。しかし、医学では呼吸頻度について話しているので、呼吸にもリズムがあります。ヨガの練習でも、異なる状態に到達するために使用できるさまざまな呼吸があります。しかし、一般的には体全体がリズムを保っています。面白いことに、私の論文はてんかんのような脳の自己免疫疾患に関するものです。てんかんは脳のリズムが狂う病気です。体の中のすべてが非常に調整されています。このように調整された方法で何かが変化する瞬間、それは身体のリズムを狂わせます。それは、ホルモン、ニューロン、神経伝達物質、呼吸、または心拍に存在する可能性があります。したがって、身体をリズミカルな主題として考えるだけで、身体とつながるための美しい方法になります。音楽がそれを拾ってくれるのが大好きです。おそらく、音楽と医学が交差する場所もそこにあるでしょう。
トラック内には心臓の鼓動もフィーチャーされていますね。
そう、心臓の鼓動は呼吸と同じであり、リズミカルなパーカッションとオリジナルのボディパーカッションを並べたかったのです。
曲中の話し言葉は何を表しているのですか？
「I reconnect, my mind, my body, my soul, myself（私は心、体、魂、私自身を再び結びつける）」という言葉は、繰り返されるマントラを指します。この瞑想的な伝統の意味では、より大きな根源とつながるために、過渡的な空間に対してオープンであることを意味します。
31小節目で短いブレイクがあり、その後、強力なキックドラムが始まります。この選択をした理由について話していただけますか?
このトラックには全体的に 90 年代のハードコア要素が多く含まれており、非常にテンポ重視です。これに合わせて踊るととても疲れます。初めてのガバパーティーのときはとても疲れていたのを覚えています。そのとき、このジャンル自体にこのような壮大な崩壊があることは実際には理にかなっていることに気づきました。ダンサーにとって、再び踊る前にエネルギーを補給するのに役立つからです。それで、この非常に激しいハイテンポのキックが入る前に、息を吸って吐く瞬間を休憩として取っています。
キックドラムをどのように処理したのか説明していただけますか？
ドラムに温かみを加えることで、より有機的なドラムになるような気がします。これもまた瞑想的な実践と、アルバム全体を通して私が演奏している非常に有機的なリズムに言及しています。Drum Bussのダンプ機能でキックに温かみのある色合いを加えました。 Drive機能では、よりハードコアな方向に向かう少しのディストーションを追加することが重要です。でも、シンプルに保ちたかったので、あまり歪んだキックはしたくありませんでした。そして、ローエンドを強化できるブーム機能があります。これはこのキックにとっては素晴らしかったです。曲にベースラインがないので、ミックスにもう少し深みを与える良い方法でした。
Live のドラム ライブラリの909 Core Kitを使用していますよね。コンプレッションやEQなどの処理技術について話していただけますか?
そらはすべて非常に似ています。Saturatorで暖かみを加えたり、909キットには必要ないローをEQでカットしています。次に、Compressorでキックにサイドチェインをかけることで、キックのインパクトが 909ドラムキットで埋もれないようにしています。ノイジーなレゾナンスが入ってくるため、私は減算的にEQを使用するのが好きです。 EQ EightのAudition機能は、フィルターをソロにして、周波数範囲全体で気に入らないレゾナンスを検索できるので便利です。簡単に不要なレゾナンスをカットできます。
EQ EightのAudition機能（試聴モード）を使って不要な探して削る。
97 小節目にハイハットのフランジング効果を利用したトランジションがありますが、これはどうやって作ったのですか？
これは、ハッピーアクシデントの非常に良い例です。 違うプラグインチェーンで909 Core Kit Trackを複製したら、処理が異なるため、ハットの演奏方法にわずかな変化があり、その変化によってフランジング効果が作成されました。とても良い感じだったので、そのまま採用しました。リズミックなパターンを変更したり、そのようなものをコピーしたりすると、曲の最高の部分が作成されることがあります。グルーヴを導入したり、音符を左右にわずかに移動したりするのと同じです。
このトラックでは、すべてがグリッドにクオンタイズされているのですか？ グルーヴを適用することはありますか？
時々、グルーヴを実験することもありますが、今回の場合はグリッドに沿っています。この緊迫感を生み出すためのドラムであり、ダンスフロア向けに作っているからです。
でも、たまに使う時もあります。私が今制作しているトラックでは、3 つのベースラインを重ねて、すべてのレイヤーに少しずつ変化を与えたりしています。トラックに一定の跳ね感を与えるのに役立ちます。
気に入ったドラムループのリズムを見つけた場合は、各パートが演奏される場所を確認して、MIDIノートを同じ位置に配置してみることがあります。そうすればサンプルのリズムを模倣できますが、そのサンプルに縛られることはないですし、MIDI パートを好きなシンセサイザーに利用することができます。
このテクニックには、Liveの Extract Groove（"グルーヴを抽出"）機能を使いますか？
いいえ、グルーヴを学ぶことができるので、マニュアルでやるのが好きです。グルーヴをより早く再現するために、私はグルーヴを自分で解釈するのが好きです。たとえば、「ああ、これが私のやり方だ、またはこれがサイトランスのベースラインの作り方だ」というようになります。
49小節目に入ってくるパーカッシブなウッドブロックには、何かコンセプト的な意味があるのだでしょうか？
ウッドブロックはメトロノームや時計に少し似ています。それは時間の連続性と永遠性を参照する要素のようなものです。瞑想において重要な役割を果たします。オートメーションを見ると、版木が左右にパンされています。これらは、3 次元のリアリティを与えるために行った小さな微調整です。
65小節目から入るアルペジオのコーラスシンセはどのように作ったのですか？
サンプルパックからです。オリジナルのサンプルを処理し、その一部を移調しました。他の人が同じサンプルを使用することになるので、サンプルをそのまま使用するのは好きではありません。そこで、ある部分を抽出したり、ある部分を移調したり、並べ替えたりしてみます。こちらも少し遅らせてみました。そこにローカットEQを挿し、それをキックにサイドチェインしました。
ピッチを変えたり、サンプルを並べ替えたりするというのは、Liveでオーディオクリップを直接編集しているのですか、それともサンプラーで切り刻んでいるのですか？
時々、オーディオをMIDIに変換することがありますが、結構気に入っている機能です。オーディオをマニュアルで切り刻んでピッチを変えることもありますが、理想的には、メロディに関してはサンプルを使用しません。サンプルの問題は、変更が非常に難しいことがあるからです。曲に空気感を加える場合はサンプルを使用するのが好きですが、曲の中で進化させたい場合は自分で書きます。メロディーを書くには美しい方法があります。素敵なメロディーを書くには時間がかかりますが、通常はこれから始めます。次に、メロディーのさまざまなレイヤーを開発し、一緒にフィットするさまざまなシンセを見つけようとします。後で何かを変更したくなった場合のほうが簡単だからです。他のトラックで再利用したり、必要に応じて少し書き直すこともできます。曲の表現やアレンジがより自由になります。
3 つのリターントラックで使用したエフェクトについて説明してもらえますか?
リターントラックAはメインリバーブのようなものです。 このリバーブは、サウンドにある種のルームを与えてくれるので、アルバムの中でよく使いました。 ローカットEQは、リバーブに不要な低域が加わらないようにするために入れています。
ボーカルリバーブがリターントラックBに入っています。ここでは、異なるルームや異なるリバーブをブレンドできるので、Hybrid Reverb を使いました。 そうしないと、エフェクトがボーカルそのものに重なってしまうので。 だから、ボーカルが再生されるたびにリバーブが消えて、また戻ってくるようにすることで、ボーカルは常にクリアなままになります。本当に助かります。
リターントラックCでも同じことをしました。ここでもEchoがボーカルにサイドチェインされていて、オリジナルのボーカルの明瞭度をコントロールしています。
リターントラックでサイドチェイン・コンプレッションを使い、クリーンでドライな信号とエフェクトのバランスを取っている。
それは興味深いテクニックですね。空間系エフェクトを追加すると、ミックスが濁ってしまう場合があります。このテクニックはその問題の軽減にも役立ちますか?
まさにその通りです。ミックス内の濁りでいえば、マスタートラックのデバイスチェーンを見ると、まず、コーラスのメロディーの特定の部分を除去するためにAuto Filterを使用しています。次に、暖かさをもたらすコンプレッサーをここでも挿して、909 Core Kitで行ったのと同じように減算的にEQを追加します。繰り返しになりますが、EQ Eight のAudition機能を使用して、気に入らないレゾナンスを見つけてそれを制御します。さらに2つ目のEQ Eightを挿します。私のボーカルは周波数スペクトルの約 1KHz にあたるので、そこを少しブーストするのに役立ちます。また、このような重いキックのある音楽では、高音を少し上げると常に効果的です。Utiltyデバイスはベースがモノラルであることを確認するためのもので、Colour Limiterをその上に追加しています。
UtilityデバイスがM/Sモードに設定されており、ステレオがわずかに強調されます。そんなことをした理由は何ですか？
ルームを持たせるためです。サイドの信号を引き出すことでミックスに役立ちます。こうすると、より良く聞こえる傾向があると経験から学びました。
マスタートラックでEQ Eight、Utility、Color Limiterを使って処理している。
Paulina、このような興味深い概念やヒントを共有してくれてありがとう。 2024年に向けて、今後共有したいエキサイティングな計画はありますか?
アルバムを制作した後、私は音楽制作から休暇を取りました。怪我もあってとても激しい時期だった。スペースを確保する必要がありました。現在、クラブに焦点を当てた新しい音楽に取り組んでおり、とても楽しみにしています。概念的なものではないので、私にとってはいつもそれから始めるほうが簡単です。来年に向けてより大きなEPを制作中ですが、これはよりコンセプト的なもので、おそらく誰もが期待するものではありません。そして、私は 2024 年に向けて、クリエイティブな旅、アーティストとしてのペルソナ、そしてサウンドを探求することをただ楽しんでいます。
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文・インタビュー：Joseph Joyce
写真：Charlotte Ernst
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